El año en el que se nos fue el Flaco

No puedo precisar en qué momento exacto de mi adolescencia empecé a escuchar a Luis Alberto Spinetta. Supongo que fue allá por mediados de los setenta, cuando armábamos aquellas grabaciones truchas en la casa de un amigo de la primaria. Recuerdo la furia y la crudeza de “Post-crucifixión”, el primer tema de Lo Mejor de Pescado Rabioso, álbum recopilación editado en 1976. Lo escuchábamos una y otra vez. Qué riff, mamita.
Entre tanto vinilo desparramado también andaba por ahí el primero de Invisible, el de la tapa con el charco de Escher. Recuerdo la exquisitez jazzera de “Jugo de lúcuma”, con un comienzo que se hacía rogar porque antes había que fumarse una interminable introducción con sonidos de misterio. Ni hablar de “Irregular”, otra pieza que ponía en duda que eso fuera hecho en Argentina y por flacos que apenas sobrepasaban los veinte años. Tan increíble como componer un tema llamado “Lo que nos ocupa es esa abuela, la conciencia que regula el mundo”. ¿A quién se le podía ocurrir? A Spinetta y compañía, sin dudas.

 

Luego llegaron a mis oídos el segundo y tercer álbum de Invisible, Durazno sangrando y El jardín de los presentes respectivamente. El que no tuviera acceso a las placas originales podía pescar algún que otro tema en la radio a través del programa Embajadores Ventil o en el Flecha Juventud de Badía. En esa época ya existían las radios con reproductor de cassette, y era cuestión de permanecer atentos para apretar “REC” apenas sonara el tema que estábamos esperando. El Jardín de los presentes contaba, además, con una especie de ancho de espadas, ese maravilloso himno tanguero-futurista que fue -y es- “El anillo del Capitán Beto”. Mi fanatismo por Guillermo Vilas y la letra del tema me inspiraron para dibujarlo tripulando una nave espacial con forma de raqueta. Con el banderín de River, por supuesto. El músico y el tenista eran amigos y se admiraban mutuamente. Quién te dice que no haya sido el gran Willy el que me llevó a Spinetta. Ahora que lo pienso...

 

El mismo Vilas fue el artífice de Only love can sustain, el único disco del Flaco cantado en inglés y grabado en los Estados Unidos. Es más, Willy había escrito la letra del tema “Children of the bells”. El trabajo tuvo poca difusión en la Argentina y las críticas fueron impiadosas, pero a mí me gustaba porque tenía una fuerte impronta funk y soul. Hasta en eso lo banqué. Un par de años antes había visto la luz A 18’ minutos del sol, un álbum súper elaborado y quizás el precursor de lo que sería el futuro sonido de Jade. Ya empezaba a acompañarlo en teclados el genial Diego Rapoport. “Toda la vida tiene música, hoy”, anunciaba el corte número 6. Una declaración de principios.

La poesía del Flaco también me deslumbraba y despertaba en los que estaban a mi alrededor todo tipo de reacciones, buenas y no tanto. “No entiendo las letras, qué querés que te diga”, fue siempre la respuesta de algunos amigos ante la sola mención de la música de Spinetta. Y eso que no habían ojeado su críptico libro de poemas “Guitarra Negra”, el que todavía conservo junto a los de Vilas. Yo evitaba contradecirlos porque aún hoy creo que sus coloridas metáforas no tienen explicación. Forman parte secretamente del imaginario de cada uno.

 

El desembarco de Spinetta Jade fue, en cierta medida, el broche de oro de una evolución musical -a nivel nacional y personal- que también involucraba a La Máquina de Hacer Pájaros y a Serú Girán. Como para no alcanzar el Olimpo de la perfección con monstruos de la talla de Diego Rapoport, Beto Satragni, Leo Sujatovich, Frank Ojstersek, César Franov, Lito Epumer, el Mono Fontana y Pomo Lorenzo, entre otros. A propósito de este último, nunca le perdoné al Flaco haberlo cambiado por una batería digital en Madre en años luz.

 

Unas cuatro o cinco veces fui a ver a Jade en vivo. Record para mi escasa concurrencia a recitales. Temas como “Amenabar”, “La diosa salvaje”, “Digital Ayatollah”, “La herida de Paris”, “Un viento celeste”, “Vida siempre”, “Bajo Belgrano”, “Mapa de tu amor” y “Amarilla flor” pasaron a convertirse en faros musicales que alumbraban el camino a seguir. También lo fueron los álbumes Kamikaze y Mondo di cromo, editados en paralelo a Jade y con la colaboración de algunos miembros de la banda. Descubríamos el sonido cristalino de la guitarra Ovation. La canción llegaba hasta el sol.

 

Tras la separación, el Flaco sacó a la cancha al exquisito Privé, aunque para mi personalísima y humilde opinión, el prolífico Spinetta que vino a partir de aquí no fue todo lo parejo que había sido hasta ese entonces. Repito, para mi gusto. Igual no me importaba. Los grandes artistas son como esos genios del fútbol que no tocan la bocha en todo el partido pero en dos jugadas te lo definen. Por eso me alcanzaba con obras maestras como “La bengala perdida”, “Como un perro”, “Ganges”, “Dime la forma”, “Fina ropa blanca”, “Mi sueño de hoy”, “Adentro tuyo”, “Correr frente a ti”, “Canción de noche” y muchas otras.

 

Escribir en pocas líneas cómo arrancó mi pasión por Luis Alberto Spinetta fue algo que me impuse como condición antes de que se termine 2012. Quise que sea el último post del año de este blog cuyo nombre, ya de por sí, es un homenaje a él.

 

“Un sueño de luz, como un amanecer, no pasará al olvido...”
 

 

 

Poseída del alba/Credulidad/Despiértate nena/Post-crucifixión

 

 

Jugo de lúcuma

Recuerdos de mi infancia III

Pasó la Navidad, pronto llega el Año Nuevo y en el medio uno se pone nostálgico y evocativo, ¿vio? Sobre todo acuden a la mente aquellas cosas que recordamos con mucho cariño. Y una de ellas es la televisión que mirábamos cuando éramos chicos. Ya hablé en su momento de los Autos Locos, de Jonny Quest y de Batfink, series de dibujos animados que alegraban mis años previos a la pubertad. Esta vez voy dejar por un rato de lado a los personajes creados por Hanna-Barbera, Hal Seeger y compañía para referirme a otro boom de fines de los ‘60: las marionetas. ¿Las tienen? Se trataba de muñecos que apenas movían sus brazos, su cabeza y sus labios, pero nos sumergían en mundos e historias llenas de imaginación y fantasía. Me acuerdo del Capitán Marte y el XL5, de Supercar, de Stingray, de Thunderbirds, de Joe 90... Pero sin dudas, la serie que más me atrapaba era el Capitán Escarlata. Vayan haciendo memoria los cuarentones. Y los cincuentones también.

El Capitán Escarlata (Captain Scarlet and The Mysterons, en inglés) fue una saga de ciencia ficción y aventuras creada por Gerry Anderson y su compañía de televisión Producciones Siglo 21. Se estrenó primero en el Reino Unido y la transmisión estuvo a cargo de la cadena televisiva ATV Midlands, poniéndola al aire entre septiembre de 1967 y mayo de 1968.

Pero vayamos al argumento. La historia arranca en el año 2068, cuando la organización de seguridad Spectrum manda una misión tripulada al planeta Marte para investigar unas señales recibidas desde la Tierra. Aquel grupo, comandado por el Capitán Black, cree erróneamente que sus habitantes son hostiles y sin decir “agua va” descarga artillería pesada sobre una de las ciudades marcianas. A pesar de los devastadores efectos del bombardeo, la ciudad es asombrosamente reconstruida en cuestión de segundos.

La cosa, por supuesto, no queda ahí ni mucho menos. Enojados, los marcianos le declaran la guerra a la Tierra y con sus poderes deciden adueñarse del cuerpo y la mente del Capitán Black. El objetivo es utilizarlo como mano de obra para ejecutar su plan de venganza.

El personaje principal, el Capitán Escarlata, también cae bajo el control y las órdenes de los habitantes de Marte, pero durante una misión encargada por los aliens sufre un gravísimo accidente y se libera del influjo. No solo eso, adquiere la habilidad de los marcianos de reestructurar su materia, lo que a partir de aquí lo convierte en un ser indestructible. Es él, entonces, quien se pone al frente de la lucha contra los invasores.

 

Curiosidades de la serie:

 

Cada uno de los personajes vestía el uniforme del color de su nombre.

Los marcianos eran entes aparentemente incorpóreos. Su presencia en la tierra era representada con dos círculos de luz y solo se escuchaba su penetrante y aterradora voz.

Spectrum se encontraba suspendida por encima de las nubes. El jefe o director era el Coronel White.

Cada vez que los miembros de Spectrum se comunicaban entre sí, el micrófono bajaba del casco y se acercaba a la boca. Al terminar la comunicación, el mismo regresaba al casco o la gorra en forma automática.

Los vehículos de la organización eran totalmente cerrados y blindados, por lo que la visión hacia el exterior se realizaba mediante una pantalla de televisión. Otra curiosidad: manejaban mirando hacia atrás.

La fuerza aérea de Spectrum estaba integrada por mujeres: los Ángeles Melodía, Sinfonía, Rapsodia, Armonía y Destino.

Como separador de escenas se utilizaban siete golpes de tambor.

 

Frases más recordadas:

 

“Los marcianos, enemigos declarados de la tierra, pueden reproducir con exactitud cualquier objeto o persona. Pero antes... ¡¡deben destruir!!”, arrancaba la voz en off durante la intro de la serie.

 

“Encabeza la lucha contra los marcianos un hombre a quien el destino ha hecho indestructible. Su nombre: Capitán Escarlata”, culminaba la misma voz.

 

“Esta es la voz de los marcianos, sabemos que pueden oírnos, terrícolas...”, y a continuación seguía el anuncio o la amenaza que realizaban los temibles aliens, acompañada de los mencionados círculos de luz.

 

Dos para Navidad

De las bandas extranjeras de rock sinfónico -o progresivo- que reinaron durante los ’70, una de las que más me sacudía era Genesis. Pasan los años, pasan las décadas y su sonido me sigue conmoviendo como el primer día. No hay con qué darle.

El mejor Genesis estaba compuesto por Peter Gabriel en voz, Steve Hackett en guitarra, Mike Rutherford en bajo, Tony Banks en teclados y Phil Collins en batería. Con esta formación le dieron vida a “Selling England by the Pound” y al doble “The Lamb Lies Down on Broadway”, entre otros discazos de la época.

Con el tiempo hubo separaciones. Primero se fue Gabriel, luego lo hizo Hackett y cada cual se fue abriendo su propio camino en solitario, incluidos los tres integrantes que permanecieron en la banda. A pesar de la popularidad, el talento y el carisma de Gabriel, mi atención se centró casi exclusivamente en el trabajo solista de Hackett. Tal vez porque componía un personaje más enigmático. Tal vez porque la melancolía de su guitarra me traía las reminiscencias de aquel Genesis de los primeros tiempos. Y méritos no le faltaban para ser el continuador de un sonido que con Banks, Rutherford y Collins ya no sería el mismo. Escúchenlo.

 

 

Spectral Mornings

 

 

Los Endos

El Señor de los teclados

Allá por la segunda mitad de los setenta, había una legendaria banda de rock pesado (a ese género hoy se lo llama heavy metal) que me partía la sabiola en mil pedazos: Deep Purple. Recuerdo como si fuera hoy mis primeras grabaciones caseras de “Machine Head”, “Quemar” y “Vení y probá la banda” (en ese entonces las tapas de algunos discos venían traducidas al castellano). Las tomas las hacíamos “en directo” en la casa de un ex compañero de la primaria. Es decir, con el micrófono del grabador a cassette colocado a escasos centímetros de los parlantes del tocadiscos. Cerrábamos herméticamente puertas y ventanas y era una regla no escrita que apenas aterrizara la púa sobre el vinilo no debía volar ni una mosca. Por supuesto, un bocinazo en la calle, el paso de un auto con el escape ronco o la estrepitosa caída de la sartén de un vecino indicaba que había que empezar todo de nuevo. O al menos volver a arrancar desde ese tema. Éramos tan pobres, como diría el Negro Olmedo.

De Deep Purple me gustaba todo, en especial la viola de Ritchie Blackmore, la estridente voz de Ian Gillan y el órgano Hammond de Jon Lord. Y quizá este último era quien le aportaba a la banda esa impronta progresiva y sinfónica que tanto me atraía y que la hacía diferente a tantos otros escuadrones pesados de la época como Led Zeppelin o Black Sabbath.

El 16 de julio pasado el gran Jonathan Douglas Lord “se fue de gira” y en homenaje a él dejo a continuación dos temas en los que se luce como nunca. Dos perlitas halladas, cuando no, en las profundidades de Youtube. Hasta siempre Jon y gracias por musicalizar esa etapa de mi vida.

Lazy (Haragán)

Child in Time (Chico Puntual)

Recuerdos de mi infancia II

En un post publicado en este blog hace más de un año, evoqué con cariño a “Los Autos Locos” y a “Jonny Quest”, dos series televisivas de dibujitos animados que la rompían en las décadas del ‘60 y ‘70. En esta oportunidad voy a dedicarle unos renglones a otro entrañable personaje animado que supo alegrar parte de mi infancia: Batfink. Los que, al igual yo, traspasaron largamente la barrera de los 40, seguramente lo recordarán.

Batfink fue creado en el año 1967 por el productor Hal Seeger como una especie de sátira a la popular serie de Batman. Fueron en total 100 capítulos de 5 minutos de duración cada uno. El protagonista central era un murciélago que luchaba contra el mal, asistido por un experto en artes marciales de origen -y atuendo- oriental llamado “Karate”. ¿Van recordando? Su cuartel estaba en una cueva oculta y recibían el pedido de ayuda del jefe de policía por medio de una “línea secreta”, que en realidad era un televisor. Puestos al tanto del caso, salían presurosos a bordo de un Volkswagen Escarabajo color rosa, apodado la “Baticafetera”.

La fortaleza y la sagacidad de Batfink se basaba en dos importantes atributos. Por un lado, sus alas estaban hechas a prueba de armas de fuego, lo que le permitía salir airoso de cualquier tiroteo. “Sus balas no pueden hacerme daño, mis alas son como un escudo de acero”, les repetía a sus enemigos, mientras con ellas protegía también al fiel y corpulento Karate. Su otro don lo ponía en práctica a la hora de resolver un delito: “mi radar-sonar supersónico podrá ayudarme”, anunciaba como latiguillo luego de asomarse por el techo de la Baticafetera. Acto seguido, emitía un visible “beep” que viajaba en el aire y a los pocos minutos regresaba a él con todas las pistas y la ubicación exacta del malhechor de turno (¿precursor del actual GPS?).

Entre el staff de villanos a los que debía combatir se encontraban Victor the Predictor, Queenie Bee, Judy Jitsu y Magneto the Magnificent (este último nada que ver con el CEO de Clarín). Pero de todos ellos, el más célebre era por lejos Hugo A-Go-Go, un científico loco cuyo máximo objetivo era derrotar a nuestro súper héroe y dominar el mundo. Estaba representado por un enano calvo que planeaba sus inagotables fechorías recluido en un observatorio ubicado en la cima de una colina. Por supuesto, Batfink y Karate siempre triunfaban.

Para finalizar este hermoso recuerdo, un dato curioso: todos los villanos tenían la particularidad de dialogar con el narrador en off. Un segundo dato curioso: el doblaje al español del personaje de Batfink lo realizó el mismo que hacía la voz de Adam West en “Batman”.

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Hasta el próximo dibujo animado.

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Post número 100

El que guarda siempre tiene, asegura un dicho popular, y aquí lo pueden comprobar. Estas dos fotos históricas pertenecen a un número de la revista SIETE DIAS aparecido allá por el verano del año 1979. La imagen de la izquierda había sido la tapa y la de la derecha, una de las que ilustraba la nota propiamente dicha que, como se alcanza a ver, mostraba como escenario al invierno neoyorkino. Ese raro encuentro entre Guillermo Vilas y Luis Alberto Spinetta tenía un motivo: reunirse con la gente de la discográfica CBS para ajustar los detalles de la grabación de “Only love can sustain” (Sólo el amor puede sostener), el único álbum de El Flaco cantado íntegramente en inglés. En aquella época el Gran Willy estaba lejos aun de incursionar profesionalmente en la música (comentarios maliciosos al margen), pero la amistad que existía entre ambos lo llevó a patrocinar el disco y a escribir, además, la letra de uno de los temas, el exquisito Children of the bells (Niños de las campanas, click aquí).

Decía Vilas con respecto a ese proyecto:

“Hemos presentado como 20 canciones con Luis Alberto Spinetta, en las que él hace la música y yo la letra. El año pasado nos encontramos, armamos las canciones y luego él las ejecutó con su grupo en Buenos Aires. Presentamos el proyecto a varias grabadoras, hasta que surgió este contrato. Es un long-play de doce temas con música de jazz-rock, más tirando al jazz que al rock. Las letras son en inglés, nos pondrán el mejor productor que hay acá y tendremos músicos excelentes. Y pensamos hacer el mismo disco para la Argentina con letra en castellano, o por lo menos la mitad en inglés y la mitad en castellano. Tendrá un sonido super especial, porque se empleará lo mejor”. (fuente: revista SIETE DIAS)

Va mi post número 100, entonces, como homenaje a dos de los personajes que más influyeron en mi vida, sobre todo el Willy.

Más recuerdos...

Y sí, me puse nostálgico. Esta vez me agarró por el lado de las series de TV. Los más veteranos –y memoriosos- sabrán de qué les hablo cuando les proponga viajar en el tiempo hasta aquella saga protagonizada por Tony Curtis y Roger Moore. Si todavía no la sacaron (no se hagan los pendex, che), me estoy refiriendo a Dos tipos audaces, otro de mis programas favoritos de la vieja pantalla en blanco y negro.

Esta inolvidable serie británica (su nombre en inglés era The Persuaders!) fue creada por Robert Baker y se emitió en 1971 y 1972 por la cadena ITV inglesa, y por la ABC Network, en Estados Unidos.

En Dos tipos audaces, Roger Moore -conocido hasta ese entonces por su papel de El Santo- encarnaba a Lord Brett Sinclair y la estrella de cine Tony Curtis personificaba a Danny Wilde, conformando un dúo de play-boys millonarios, pero con muy diferentes orígenes. Y precisamente esa diferencia le aportaba a la serie abundantes dosis de humor. Sinclair, de familia noble y exquisitos modales, prototipo de la elegancia inglesa (era elegante hasta para cagarse a trompadas), se ve forzado a formar equipo con Wilde, nacido en el marginal Bronx neoyorkino y ascendido desde los bajos fondos hasta convertirse en un magnate petrolero. Ambos son rescatados de la cárcel por un juez, con la intención de utilizarlos para resolver casos criminales complicados.

Dos tipos audaces fue en aquel momento la serie con mayor costo de producción (100.000 libras por episodio) y se desarrollaba en diferentes puntos de Suiza, Francia, España e Italia. Como atractivos ingredientes, se mostraban altísimos niveles de vida, mujeres despampanantes, lujosos casinos, y veloces autos deportivos.

La serie tan sólo constó de veinticuatro episodios, y quizá en EE.UU. no tuvo tanta aceptación cómo en otros países porque se consideró que ridiculizaba la forma de vida americana, ensalzando las maneras inglesas y presentando al país cómo una antigua colonia del imperio de "Su Majestad".
 Además, competía en la programación con un poderoso rival: Misión Imposible.
 Al terminar su producción repentinamente, Roger Moore adaptó maneras de Brett Sinclair al recién estrenado papel de James Bond, su rol más celebrado.
El tema musical de The Persuaders!, fue compuesto por John Barry, autor también de la banda sonora del film 007.

Compilado con escenas de la serie.

Introducción con la música original.

Recuerdos de mi infancia

Con este asunto de los reencuentros en facebook, las modas retro, la onda sixtie, el ataque ochentoso y la mar en coche, personajes, objetos y recuerdos del pasado invaden nuestro presente con alegría y nostalgia. En todos los ordenes hay como un revisionismo. Y la televisión no es ajena. La ingenua pantalla chica de aquellos días de niño era parte importante de nuestras vidas y si tengo que establecer un "top ten" de las cosas que me hacían feliz, sin dudas estos dos dibujitos tienen reservado un lugar de privilegio.

LOS AUTOS LOCOS

Corría 1968 y la humanidad perseguía el objetivo de poner un hombre en la Luna. Pero un sábado de septiembre por la mañana, los niños de todo el mundo descubrieron que había algo mejor, más alucinante y más divertido: Los Autos Locos.

Producidos por Hanna-Barbera, Los Autos Locos tuvieron un enorme éxito cuando llegaron a la tele. Tanto que al año siguiente derivó en dos spin-off (series paralelas con alguno de los personajes).

La trama era muy simple: 11 cacharros extraños competían entre sí por todo el mundo para ganar una carrera. Todo tipo de artimañas eran válidas, pero cabe destacar al legendario Pierre Nodoyuna y a su inseparable perro Patán, quienes urdían los más astutos y tramposos planes para ganar las carreras. Naturalmente, nunca se salían con la suya.

Estos eran los participantes:

1) El Rocomóvil, enorme piedra con ruedas conducida por los Hermanos Macana (Piedro y Roco).

2) El Espantomóvil, conducido por Los Tenebrosos (la Pareja Compleja). En un campanario llevaban a un dragón con “1.000 llamaradas de potencia”.

3) El Súper Convertible, conducido por el profesor Locovich. Se podía transformar en cualquier cosa.

4) El Stuka Rakuda, mitad auto y mitad avión conducido por el barón Hans Fritz.

5) El Compact Pussycat, conducido por Penélope Glamour. Este personaje luego protagonizó el dibujito Los peligros de Penélope, acompañada por Mafio y sus pandilleros.

6) El Súper Chatarra Special, conducido por el sargento Blast y el soldado Meekly.

7) La Antigualla Blindada, sedan de los años ‘20 conducido por Mafio y sus pandilleros.

8) El Alambique Veloz, conducido por Lucas el Granjero y el Oso Miedoso.

9) El Súperheterodino, conducido por el inefable Pedro Bello.

10) El Troncoswagen, auto con sierras circulares en lugar de ruedas conducido por Brutus y Listus.

00) El Súper Ferrari, auto a reacción conducido por Pierre Nodoyuna y Patán. Luego protagonizaron El Escuadrón Diabólico, serie donde eran aviadores y trataban de capturar a un palomo mensajero.

JONNY QUEST

Fue una de las mejores y más elaboradas series de dibujitos animados de los '60. Narraba las aventuras de Jonny, su amigo indio Hadji y su perro Bandido, que acompañaban al Doctor Quest y a su amigo y piloto Race Bannon por los lugares más recónditos y peligrosos del mundo.

En cada capítulo, los Quest y compañía se enfrentaban a amenazas salidas de las mejores películas de ciencia-ficción de los años '50: monstruos radioactivos, gigantes, invasores alienígenas y seres de una época perdida en el tiempo.

Como siempre, gracias al ingenio, valor y habilidad, estos héroes resolvían los problemas y siempre salían victoriosos. Aunque algunas veces, con muchísimas dificultades.

Fuente: http://www.otae.com/dibus/